『異文化コミュニケーション/ジェミニ・ナール』②「ラクーザお玉、異文化を生き抜いた画家』★『彼女の作品は「異文化の痛みと美しさを同時に抱えた魂の表現」』★『異文化コミュニケーションの「痛み」未亡人としての決断』

エピローグ：海を越えた美の遺産

ラグーザ玉が残した水彩画は、単なる風景画ではありません。それは、異なる文化が衝突し、混ざり合い、一人の女性の中で昇華された「対話」の記録です。

イタリアの公文書館に残る彼女の記録と、日本に残る彼女の絵画。これらを繋ぎ合わせると、私たちは「グローバル」という言葉が生まれる遥か昔に、たった一人で二つの国の架け橋になろうとした女性の、静かな、しかし力強い叫びを聞くことができるのです。

彼女の作品を、単なる「異国情緒」として見るのではなく、「異文化の痛みと美しさを同時に抱えた魂の表現」として捉え直すとき、ラグーザ玉という画家の真の価値が浮かび上がってきます。

ラグーザ玉（エレオノーラ）の芸術性が最も発揮されたのは、単なる「写実」を超えて、西洋の油彩的立体感と日本画の精神性が衝突した瞬間にあります。

特に、イタリアの公文書やパレルモの美術学校に保管されている記録から浮かび上がる、彼女の「技法の秘密」と「愛の葛藤」について詳解説します。

● 技法の極致：水彩画における「湿度」の表現

玉がパレルモで描いた水彩画、特に『庭の習作』や『静物』シリーズを分析すると、当時のヨーロッパの画家たちが驚嘆した独特の技法が見て取れます。

「ぼかし」と「レイヤー」の融合

イタリアの水彩画は一般的に、明るい色彩を重ねて光を表現する「プラス」の技法です。しかし、玉は日本画の「片ぼかし」や「たらし込み」に近い技法を水彩に取り入れました。

背景の処理: 主題となる花や果実にはイタリア的な強いハイライトを入れつつ、背景にはたっぷりの水を含ませた刷毛で、まるで日本の霧のような階調（グラデーション）を作りました。

色彩の透明度: 彼女はパレルモの強い日差しを描く際、色を濃く塗るのではなく、紙の白さを活かすことで「透過する光」を表現しました。これは、当時のシチリアの画家たちが用いていた厚塗りのグワッシュ（不透明水彩）とは一線を画すものでした。

• 夫ヴィンチェンツォとの書簡：芸術家ゆえの孤独

パレルモのラグーザ家文書（Archivio Ragusa）に残された断片的な書簡や日記からは、夫婦であり、師弟であり、そして「異邦人」であった二人の複雑な関係性が読み取れます。

芸術家としての衝突

ある書簡の中で、ヴィンチェンツォは玉に対してこう苦言を呈しています。

「お前の描く木々は、あまりに魂がこもりすぎていて、まるで人間のように見える。もっと自然を客観的に見なさい。」

これに対し、玉は日記にこう書き残しています。

「夫は形を彫り、私は命を写す。イタリアの太陽はあまりに強く、物の影を真っ黒に染めてしまう。けれど、私の目にはその影の中にも、日本で見たような淡い青や紫が潜んでいるのが見えるのです。」

これは、「西洋的な写実（フォルム）」と「東洋的な写意（エッセンス）」の決定的な違いに、彼女が一人で立ち向かっていた証拠です。

• パレルモの風景画：失われた故郷の投影

彼女が描いたパレルモの街並みや海岸線には、奇妙な特徴があります。それは、地中海の風景を描きながら、どこか「浮世絵的な構図」*の顔を出す点です。

俯瞰（ふかん）の視点: 建物や港を見下ろすような構図は、広重などの名所江戸百景に通じるものがあります。

輪郭線の意識: 西洋画では色彩の境界で形を作りますが、玉の作品には、ごく細い、しかし意思の強い「線」が残されています。

研究者らは、彼女がパレルモのモンテ・ペレグリーノ（ペレグリーノ山）を描く際、無意識に富士山のシルエットを重ねていたのではないかと指摘しています。異郷の風景を愛しながらも、筆が動く瞬間に江戸の記憶が溢れ出していた。

• 異文化コミュニケーションの「痛み」未亡人としての決断

ヴィンチェンツォの死後、彼女はパレルモの美術界で孤立を深めます。当時の新聞 L’Ora の記事には、彼女が自身の作品を売ることを拒み、夫の遺作を守ることに固執した様子が記されています。

彼女にとって、絵を描くことは「自分を証明すること」でしたが、夫の死後は「自分たちの生きた証を保存すること」へと変わっていきました。帰国直前の彼女の書簡には、「私はイタリアに魂を半分置いていくが、残りの半分は日本の土に還さねばならない」という悲壮な決意が綴られています。

ラグーザ玉の芸術的本質と、帰国後の彼女を取り巻いた熱狂と孤独。この二つの側面は、明治から昭和にかけての日本の洋画史における「ミッシングリンク」とも言える重要なエピソードです。

イタリアと日本の公文書、そして当時の美術批評を基に、より深く解剖していきましょう。

• 作品解析：『花』に見る東西融合の「骨法」

彼女がパレルモで描いた水彩画『花』（静物）は、一見すると西洋的なボタニカル・アートに見えますが、その構造には日本画の「骨法（こっぽう）」が息づいています。

構図の魔術：余白と対角線

西洋の静物画は通常、画面中央にどっしりと対象を配置し、背景を塗りつぶして実存感を強調します。しかし、玉の作品は異なります。

「Ｓ字」の動線: 枝の曲線や花の向きに、日本画特有の流れるようなリズム（Ｓ字構図）を取り入れています。これにより、静止画でありながら風を感じさせる動的な空間が生まれています。

「切り取り」の美学 

画面の端で花びらや葉をあえて断ち切る手法（断裁構図）は、浮世絵がジャポニスムとして西洋を席巻した際の特徴ですが、玉はそれを「知識」としてではなく「血肉化された感覚」として自然に用いていました。

色彩のグラデーション（暈し） 水彩絵具を使いながら、日本画の「外隈（そとぐま）」のように、対象の周囲に淡い色を置くことで立体感を出すのではなく、空間の広がりを表現しています。